En el mito de la caverna los hombres permanecen atados de
piernas y brazos percibiendo las sombras de los objetos que pasan detrás de
ellos. En matrix, la gente permanece dentro de unos enormes "cultivos de
personas" en los que están dormidos, proyectando en sus mentes imágenes,
sentimientos y situaciones dados por la matrix. Ellos creen que ésa es su
realidad, su verdadera vida, en medio de la sociedad del siglo XX, siendo que
sólo son impulsos bioeléctricos enviados por las computadoras para mantener las
mentes ocupadas y, a través de ello poder brindarle energía a las máquinas para
su subsistencia.
1- La relación está en que, en ambos casos, los humanos viven
un mundo ficticio creyendo que es el real.
2.-. En el Mito de la caverna, un hombre es sacado del lugar
en que está y es enfrentado a la luz verdadera (la del sol), a los objetos que
proyectaban las sombras, es decir, al mundo real, al principio, rehúsa creerlo,
con el paso del tiempo, comienza a adaptarse, pero sigue confundido, le cuesta
asimilar que su pasado es irreal. En la película, Neo es desconectado de Matrix
y le es enseñado el mundo real.
Al igual que en el mito, Neo se rehúsa a creerlo, al
principio cree que le están "vendiendo la pomá", le duelen los ojos,
porque nunca había visto con ellos, sino con la mente, y, poco a poco, comienza
a adaptarse al nuevo mundo que le ha sido mostrado.
3.- En la caverna el prisionero que es liberado puede
apreciar la verdadera realidad, queriendo luego contarles y liberar a los que
son prisioneros aùn, y en la película lo mismo es reflejado cuando Neo decide
volver a la Matrix para poder liberar al resto de la "masa".
Referencias
argumentales
El mago de oz (hombre con tecnología)
Alicia en el país de las maravillas (tiene 2 mundos, uno de
ellos es un sueño
La bella durmiente (el beso de trinity que despierta a neo)
Ghost in the spell (anime) (por temática)
Dark city
Blode runner (estética cyberpunk)
Terminator (la A.I se revela)(máquinas e inteligencia
artificial)
Referencias
literarias
Alegoría de la caverna, Platón
Simulacro y simulación, Baudrillard
Hard Boiled, Geot Darow
¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Philip k. Dick
La posmodernidad es un efecto de la crisis del hombre moderno
que se expresa en sus diferentes campos de acción, un momento de la sociedad
capitalista que concede poca credibilidad a los discursos de la modernidad.
- Recuperación de la historia y de la memoria.
- Creencia en que el pasado con su presencia contribuye a
convertirnos en criaturas de nuestro tiempo.
- Fin de los grandes relatos.
- Los estilos se declaran muertos.
- Se disloca el lenguaje de sus sentidos tradicionales.
- Rompimiento de la barrera de lo único, del ex-novis.
- Salida de la camisa de fuerza de la tecnología
- Se vive en la ambiguedad.
- No se busca copiar el pasado, sino integrarlo.
- No imitar, no repetir.
Manifestaciones
en la cultura
ARQUITECTURA
El arquitecto posmoderno propugna por la asimetría, la
complejidad, la contradicción, el desplazamiento, la forma. Se solaza en el
juego de lo superfluo, de lo accesorio, combina lo interior con lo exterior. La
arquitectura deja de ser un arte del espacio o una manera de proveer un lugar
donde vivir y se transforma en un juego que excede al espacio y lo cuestiona,
así como la manera de habitarlo.
PINTURA
Se pasa de un arte elitista a un arte que se pretende a
todos; El retorno a la figura como forma de intertextualidad, el retorno
irónico de forma minimalista, a formas del pasado y la pintura se vuelve a
cargar de sentido.
MUSICA
Rompe con el sistema armónico que había imperado en occidente
por más de mil quinientos años. Se crea un nuevo paradigma, un nuevo lenguaje
musical. La indeterminación como método de composición.
DANZA POST MODERNA
LITERATURA
Se instalan el silencio y el fin de la narrativización. La
narrativa se atomiza hasta el punto que el hilo narrativo casi desaparece. Lo
que queda es un discurso sin relato. Los textos literarios son fragmentos
autocontenidos y no mas una relación de hechos. No se trata de lograr la
mimesis de la realidad, si n o de capturar lo real a partir de plasmar
impresiones, las sensaciones.
José Saramago
La derrota tiene algo positivo: nunca es definitiva. En
cambio, la victoria tiene algo negativo: jamás es definitiva.
Nuestra única defensa contra la muerte es el amor.
Somos la memoria que tenemos y la responsabilidad que
asumimos. Sin memoria no existimos y sin responsabilidad quizá no merezcamos
existir.
Los únicos interesados en cambiar el mundo son los
pesimistas, porque los optimistas están encantados con lo que hay.
Para qué sirve el arrepentimiento, si eso no borra nada de lo
que ha pasado. El arrepentimiento mejor es, sencillamente, cambiar.
Michel
Foucalt y el fin de la racionalidad positiva
El saber,
el poder y el sí mismo
El Saber, es el nivel de la formación histórica, saber como
se interpenetran en una sociedad y epoca dada, lo que puede ser dicho y lo que
puede ser visto, la manera de decir y la manera de ver. No tanto las palabras y
las cosas, sino aquello que más profundo las hace posibles.
El poder, integra a toda la sociedad, es visto como
producción y no como represión. El poder conforma campos de fuerza y origina
impulsos y resistencias.
Tanto el poder como el saber conforman el sujeto.
Jean
Francois Lyotard y el estatuto del conocimiento en la posmodernidad
Lyotard define la posmodernidad como la incredulidad en los
metarrelatos que proveen un aparato para legitimar la superioridad de la
cultura europea y norteamericana. Se refiere a la muerte de los grandes
discursos.
Nos plantea la crisis de la metafísica y de las universidades
como depósito de conocimiento transmitido por los profesores a sus alumnos,
como la única institución legitimada y con la capacidad de legitimar el
conocimiento.
Lo importante es su operatividad o su eficiencia tecnológica.
La verificación de su viabilidad, eficiencia tecnológica. Lo fundamental ya no
es lo verdadero, lo justo, lo bello, sino lo eficiente, lo que permite vender.
Aquello que no produce, desaparece.
GABRIEL
OROZCO
(Xalapa, 1962) Artista plástico mexicano, uno de los más
valorados en el circuito internacional, autor de una obra amplia y polivalente
que abarca desde la escultura hasta las instalaciones espontáneas, pasando por
la fotografía, el vídeo, el dibujo y el arte-objeto.
Considerado uno de los diez creadores más importantes e
influyentes del mundo, quizás el mayor renovador de las artes plásticas de los
últimos años, la obra de Orozco resulta imprescindible en cualquier
acontecimiento importante de arte contemporáneo y enriquece bienales y museos
de Europa y América.
Esta es la obra más colosal de Orozco es un esqueleto de
ballena que encontraron enterrado en una playa, Orozco la pinto y reacomodo y
se ha convertido una de sus principales obras.
1965, Londres, fue el año en que comenzó el rock. Toda una generación maduró y floreció. Afuera
lo viejo, bienvenido lo nuevo. Una generación de adolescentes rebeldes que creció
escuchando el blues de los negros afroamericanos estadounidenses ya había
inventado su propio sonido nuevo cargado de adrenalina, El rock. The Who introdujo
la actitud y el volumen, los Rolling Stones introdujeron la arrogancia y el sexo, incluso Bob Dylan se inspiro en el
rock de Gran Bretaña, pero Dylan agregó una dimensión política al componer canciones
con mensajes y sentido. Música y Bandas que se conjugaron en 1965 y crearon el
movimiento más emocionante y electrizante.
The Beatles fue una
banda de rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la
más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música
popular. Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon
(guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George
Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista).
Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años cincuenta, la banda
trabajó más tarde con distintos géneros musicales, que iban desde las baladas
pop hasta el rock psicodélico, incorporando a menudo elementos clásicos, entre
otros, de forma innovadora en sus canciones. La naturaleza de su enorme
popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «Beatlemanía»,
se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas.
Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas,
extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la
década de 1960.
Cream fue un
power trío de rock fundado en Londres, en 1966, por el bajista y vocalista Jack
Bruce, el batería Ginger Baker y el guitarrista y vocalista Eric Clapton. Su sonido se caracterizaba por ser un híbrido
de blues, rock psicodélico y pop. Cream
es a menudo considerado como el primer super grupo de éxito y a pesar de haber
estado en actividad apenas dos años, ha vendido más de quince millones de
copias en todo el mundo hacia 2011, según la revista Rolling Stone. La banda
tuvo un impacto significativo en la música popular de la época y, junto a Jimi
Hendrix, popularizó el uso del pedal wah-wah.
The Rolling
Stones es una banda británica de rock originaria de Londres. La
banda se fundó en abril de 1962 por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards,
Ian Stewart y Dick Taylor.
Son considerados una de las más grandes e influyentes agrupaciones
de la historia del rock, siendo la agrupación que sentó las bases del rock
contemporáneo. Contando desde sus inicios con el favor de la crítica, algunos
de sus materiales están considerados entre los mejores de todos los tiempos;
Sus primeras producciones incluían versiones y temas de
blues, rock and roll y R&B norteamericano. No obstante, en el transcurso de
su trayectoria añadieron toques estilísticos de otros géneros para adaptarse a
cada época, recibiendo influencias desde la música psicodélica, el country, el
punk, la música disco, el reggae o la música electrónica. Pese a encabezar
junto a The Beatles (con los que siempre rivalizaron en popularidad) la «invasión británica» en los primeros años
de la década de 1960, no fue sino hasta el lanzamiento de «(I Can't Get No)
Satisfaction» en 1965 cuando alcanzaron el estrellato internacional y se
establecieron como una de las bandas más populares en la escena musical.
Bob Dylan músico,
cantante y poeta estadounidense, considerado ampliamente como una de las
figuras más prolíficas e influyentes de su generación en la música popular del
siglo XX y de comienzos del siglo XXI.
Gran parte de su trabajo más célebre data de la década de
1960, en la que se dio a conocer como cantautor folk con composiciones como
«Blowin' in the Wind» y «A Hard Rain's a-Gonna Fall» con un importante
contenido de protesta social. Tras dejar
atrás la música folk, Dylan modificó la música popular en 1965 con el álbum
Highway Revisited, uno de los trabajos
musicales más influyentes del siglo XX, en el que combinó la música rock con
composiciones complejas y literarias influidas por imaginería surrealista.
Tendencia artística con énfasis o en su concreción física o
material, sino e sus planteamientos teóricos o conceptuales.
1.Lingüística
y tautológica.- eliminación del objeto, empleo del lenguaje, repetición de un
pensamiento por medio de distintas palabras o símbolos
2.Empírico –
medial.- Reivindica tanto la imagen como la percepción, acepta una cierta forma
de realización centrada en la acción. Temas obsesivos, el lenguaje geométrico,
el hermetismo expresivo.
3.Mística.-
Vinculada al pensamiento Zen y a ciertos procesos de iniciación con un extremo
subjetivismo y un marco abandono al inconsciente.
BODY ART
1960, Francia, los artistas empezaron a usar el cuerpo humano
como su material y lienzo. El cuerpo como material plástico, se pinta, se
ensucia, se cubre y se retuerce.
HAPPENING
ART
Manifestación artística de diversa índole, suele no ser
permanente. Busca una participación espóntanea del público. Se producen en
lugares públicos, como u gesto de sorpresa o irrupción en la vida.
LAND ART
Recurre al empleo de materiales de la naturaleza orgánicos
(madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.) en oposición a los objetos
manufacturados.
PERFORMANCE
Acción plástica o artística, herramienta básica el cuerpo,
soporte artístico.
Acciones efímeras que necesitan el video y la fotografía para
su registro.
John Cage – músico “4.33”, realizada en 1952. Partitura con
puro tacet. Obra conceptual que quiere que se escuchen los sonidos en su
entorno.
Marina
Abramovic
La artista Marina Abramovic y Ulay vivieron una intensa
historia de amor en los años 70. En un momento, cuando determinaron que la
relación había perdido su curso, decidieron caminar juntos por la Gran Muralla
China de principio a fin. Ubicados en la mitad de ella decidieron despedirse
con un gran abrazo y jamás se volvieron a ver.
En el 2010, Marina realizó un performance en el MoMa, llamado
‘El artista se encuentra presente’. En esta muestra artística ella pasaba un
minuto de silencio con cada extraño que se sentaba en frente de ella. Ulay, su
antiguo amor, llegó sin que ella lo supiera y esto fue lo que sucedió.
Se trata de la observación de algo que está sucediendo en la
realidad y la formación de sus propios pensamientos al respecto.
Surge a partir de las ideas del arquitecto Ludwig Mies Van
der Rohe, quien elaboró propuestas acerca de la pureza de las formas y el
espacio, dejar a un lado la ornamentación.
Es la tendencia de reducir a lo esencial, sin elementos
decorativos sobrantes, para sobresalir por su geometría y su simpleza. Es la
recta, las transparencias, las texturas, es la funcionalidad y la espacialidad,
es la luz y el entorno.
Inicia en los 60's, tiene un auge en los 70's y continúa
vigente hasta hoy. La corriente surge en EUA dispersándose en todo el mundo
como una arquitectura internacional.
"Menos es mas" Mies van der Rohe
“Pienso que la
arquitectura se torna interesante cuando se muestra
éste doble
carácter: la máxima simplicidad posible y, a la vez, toda la
Se conoce como Ready-made a la expresión artística más
característica del dadaísmo, que trata de transformar objetos de uso cotidiano
en obras de arte sin modificar su aspecto externo siendo su prioncipal objetivo
generar una sensación de absurdo y de sorpresa, tratando de este modo, socavar
todo concepto artístico tradicional.
Los primeros ready-made fueron ideados y realizados por Marcel Duchamp en 1913. Entre éstos se encuentran su célebre rueda de bicicleta sobre taburete.
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la
década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el
Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza
por el empleo
de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la Comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido
diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la
sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular",
toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación
plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda
y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de
consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado
indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles
de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs",
botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo
y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la
publicidad.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se
amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la
superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano,
siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil
conformismo.
ANDY WARHOL
Pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o
imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a
exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier
rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un
elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los
medios de comunicación.
Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización
en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de
serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad
contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a
Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su
célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas
durante la fructífera década de 1960.
El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente
reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o
los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes
y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente
situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios;
dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas.
En 1968, una crisis de confianza sacudió al mundo entero:
crisis al Oeste y crisis al Este.
Los «treinta gloriosos» de 1945 a 1975, habían sido años
fecundos en reconstrucción y desarrollo, tanto en el Este como en el Oeste.
En 1978, un polaco, Karol Wojtyla, fue elegido papa con el
nombre de Juan Pablo II. Era una provocación para los comunistas rusos, que
intentaron, en vano, asesinarlo en la plaza de San Pedro en 1981.
En diciembre de 1991, la URSS estalló: Ucrania, Bielorrusia,
todas las repúblicas musulmanas del Cáucaso y de Asia central se declararon
independientes (Turkmenistán, Uzbekistán, Kazajstán, etcétera), igual que las
repúblicas cristianas (Armenia, Georgia): era el último avatar de la
descolonización.
Estas guerras han causado centenares de miles de muertos,
junto a los abusos (violaciones, etcétera) propios de las guerras civiles.
Suspenso político acerca de dos bailarines (Mikhail Baryshnikov, Gregory Hines) en Rusia que intentan escapar del país.
El que el bailarín se haya refugiado en América la tierra de
la libertad, solo muestra la represión que se vivía en Rusia durante la guerra
fría, no solo políticamente si no también artística y culturalmente. Me gusta la parte en que el le comenta a su
vieja amiga bailarina que ya ha bailado Balachine y le muestra su nueva forma
de movimiento, mas orgánica, natural y libre. Ella se conmueve con su discurso.
La ausencia total del
movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo
diferencia del Arte cinético.
Se pretende crear efectos
visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
Usa los recursos de líneas
paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea
poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de
formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas
simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados,
combinaciones o formaciones complejas.
En muchos casos el
observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar
el efecto óptico completamente.
Se usa el acrílico para
obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
El artista del Op-Art no
pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto
emocional en la obra.
En Rusia se incendiaron mas
de mil novecientas aldeas.
El Gobierno provisional
encontró el país: ni un puente, las ciudades de Normandía arrasadas, la
industria destruida.
Entre 1946 y 1948, en
Francia se instaló la cuarta República.
La Organización de las
Naciones Unidas no conocerá la suerte de la Sociedad de Naciones: nadie querrá
dejarla.
Éste fue el principio de la
Guerra Fría: rusos y americanos jamás se enfrentaron allí directamente porque
entonces la URSS estaba en posesión de la bomba atómica. Se puede pensar mal de
la bomba atómica, pero su presencia evitó lo peor.
La Guerra Fría se convirtió
en una rivalidad. El 4 de octubre de 1957, la URSS envió al espacio el Sputnik.
Los americanos quedaron sorprendidos y preocupados.
Los americanos vivieron
durante mucho tiempo un terrible trauma debido a esta guerra: era el primer
fracaso del ejército americano.
Expresionismo
abstracto: movimiento
pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en
concreto, las tendencias
informalistas y materias posteriores
a la Segunda
Guerra Mundial. Surgió en los años 40 durante el siglo XX
en Estados
Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo.
Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro
del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas,
asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue
directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.
Pueden señalarse como características formales de este
estilo, en primer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Trabajaban
normalmente con óleo sobre lienzo.
Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan
la figuración. Una de las características principales de los expresionistas
abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all
over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin
límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con
frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.
El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro,
así como los colores
primarios: magenta, amarillo y cian.
Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo
color, estaban ya anticipando el arte minimal.
Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en
grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y
el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que
surgieron estas obras.
Action Paitning:
es u espectáculo que muestra el proceso de creación en el propio escenario,
frente al público, de forma viva y directa. Maestría en el dominio del color.
Surge en el siglo xx dentro de la pintura no figurativa. Intenta expresar
mediante el color y la materia del cuadro, sensaciones tales como el movimiento, la velocidad, la energía. Son muy importantes el color y los materiales no específicamente pictóricos con que
se trabaja (arena, alambre...) para conseguir una superficie peculiar en la
superficie del cuadro. Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar
con pintura la superficie de un lienzo de manera espontánea y enérgica, es
decir, sin un esquema prefijado, de forma que éste se convierta en un «espacio
de acción» y no en la mera reproducción de la realidad.
Jackson Pollock
El año 1947 fue decisivo en
su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en
lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre
él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras
herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la
adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.
Gracias al apoyo de algunos
críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con
la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del
expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con De
Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue además uno de los
primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en
mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.
